Ensembles
![Abramski Trio](https://www.releases.kuk-art.com/sites/default/files/category_pictures/abramski_trio.jpg "Abramski Trio
Ensemble
Das Abramski-Trio hat sich 2004 anläßlich eines Konzerts im Oratorium des Klosters Maulbronn gegründet und gibt seitdem regelmäßig Konzerte. Es besteht aus jungen Künstlern, die sich bereits im Studium an der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Stuttgart kennengelernt haben. In der gemeinsamen Spielzeit 2003/04 am Badischen Staatstheater in Karlsruhe wurde aus spontaner Kammermusik mehr...
Das Ensemble hat sich zum Ziel gesetzt, selten aufgeführte Werke für Doppelrohrblattinstrumente in einer unkonventionellen Kombination für Oboe, Fagott und Klavier, ähnlich dem klassischen Klaviertrio, zu Gehör zu bringen. Dabei stehen Komponistennamen wie Françaix und Poulenc für spritzige, humorvolle und phantasiereiche Bläserkammermusik. Diese findet in den jungen und vitalen Künstlern des Abramski-Trios adäquate Sachwalter. Dabei ergänzt der Pianist Ron, der nicht nur einfühlsam begleitet, die Programme durch solistische Beiträge.
2006 trat das Abramski-Trio u.a. im Rahmen der renommierten Konzertreihe Klosterkonzerte Maulbronn auf und im September 2007 war das Trio Finalist des 2. Europäischen Kammermusikwettbewerbs Karlsruhe.
Mirjam Budday (geb. 1980), Stipendiatin der "Studienstiftung des Deutschen Volkes", der Kammermusikstiftung "Villa Musica", Rotary-Stipendiatin und Bundespreisträgerin beim Wettbewerb "Jugend musiziert" studierte Oboe in Stuttgart bei Prof. Ingo Goritzki. Von 2002-03 studierte sie Oboe an der Royal Academy of Music, London bei Tess Miller, Douglas Boyd und Celia Nicklin. Sie nahm an diversen Meisterkursen u.a. bei Prof. Christian Wetzel, Albrecht Mayer, Jonathan Kelly, Alexei Ogrintchouk und Prof. Günther Passin teil. Von Januar bis Juli 2004 war sie ständige Aushilfe der Badischen Staatskapelle Karlsruhe. 2004/05 war sie ausserdem Solo-Oboistin des European Union Youth Orchestra (EU-Orchester), mit dem sie im Sommer 2004 eine Tournee durch Skandinavien und die Baltischen Staaten unter der Leitung von Paavo Järvi und Yan Pascal Tortelier unternahm. Des weiteren Engagements bei den Bamberger Symphonikern, der Staatsoper Stuttgart und der NDR Radiophilharmonie sowie regelmäßige Aushilfstätigkeit beim Südwestdeutschen Kammerorchester Pforzheim als Solo-Oboistin. Seit August 2008 ist Mirjam Budday Solo-Englischhornistin der NDR Radiophilharmonie in Hannover.
Rebekah Abramski ist seit September 2003 Solo-Kontrafagottistin am Badischen Staatstheater Karlsruhe. Davor war sie zwei Jahre an der Staatsoper Stuttgart tätig. Rebekah Abramski begann ihr Studium in Manchester (England) an der Chetham's School of Music bei Graham Salvage (Solo-Fagottist Hallé Orchestra) und studierte von 1996 bis 2000 am Royal Northern College of Music Manchester (RNCM) bei Edward Warren und Alan Pendlebury (Solo-Fagottist Royal Liverpool Philharmonic). Während dieser Zeit hat sie den Fagottpreis des RNCM gewonnen und Stipendien vom Philharmonia/Martin Musical Scholarship Trust und vom The Countess of Munster Trust erhalten. Die King Edward VII British-German Foundation hat ihr im Jahr 2000 ein dreijähriges Aufbaustudium an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Stuttgart bei Prof. Marc Engelhardt ermöglicht.
Ron Abramski studierte bei Ryszard Bakst an der Chetham's School of Music, Manchester und an der Guildhall School of Music and Drama, London bei Maria Curcio, einer Schülerin von Artur Schnabel. Von 2001 bis 2003 nahm er privat Unterricht bei Cristina Ortiz und seit 2005 ist er Student von Prof. Fany Solter an der Musikhochschule Karlsruhe. Im Alter von vierzehn Jahren spielte er das 1. Klavierkonzert von F. Chopin mit dem Chetham's Chamber Orchestra und gab ein Privatkonzert für Witold Lutoslawski, bei dem er Lutoslawskis Klavierkonzert aufführte. 1994 hat er am Musique de Chambre à l'Empéri Festival in Salon de Provence teilgenommen. 1996 gab er sein Debut in der Royal Festival Hall und im Barbican Centre in London, bei dem er Saint-Saëns "Karneval der Tiere" spielte. Als Gewinner des "Maisie Lewis Young Artists Awards" trat er 1999 erstmals in der Wigmore Hall, London auf und durfte am London Festival "Visions: The Music of Olivier Messiaen" mitwirken. Ron Abramski hatte Stipendien des KPMG/Martin Musical Scholarship Fund und der Hattori Foundation. Als Stipendiat der Yehudi Menuhin/English Speaking Union trat er 2000 als Solist beim Banff Arts Festival in Kanada auf. 2001 war er Gewinner des Making Music Young Concert Artist Awards und gab infolgedessen viele Konzerte in England und Wales.")
![Amati Quartett](https://www.releases.kuk-art.com/sites/default/files/category_pictures/amati.jpg "Amati Quartet
Streichquartett
Das Amati Quartett formierte sich 1981 und wurde unter anderem mit dem 'Premier Grand Prix du Concours International' in Evian, dem Kunstpreis der Stadt Zürich und dem Preis des Karl-Klingler-Wettbewerbes in München ausgezeichnet. Die CD-Einspielungen der Schostakowitch Quartette 3 & 7 sowie Szymanovski op. 56 und Ravel wurden mit dem Preis der deutschen Schallplattenkritik ausgezeichnet. Eine Einspielung mit den Haydn Quartetten op. 50 erhielt den französischen Schallplattenpreis 'Choc du monde de la musique'. In den letzten Jahren feierte das Amati Quartett bei seinen Auftritten u.a. im Musikverein Wien, dem Concertgebouw Amsterdam, der Wigmore Hall London, dem Théâtre des Champs-Elysées in Paris, dem Palau de la Musica in Barcelona, der Kölner Philharmonie, dem Berliner Konzerthaus und in der Carnegie Hall in New York grosse Erfolge.
"... eines der aufregendsten Konzerte, denen ich je beigewohnt habe." (Yehudi Menuhin)
"Eine Interpretation, wie sie seit den besten Zeiten des Juillard-Quartetts nicht mehr zu hören war." (FAZ)
"Seit den frühen 50er Jahren (Juillard-Quartett) gab es keine solche Aufnahme der Bartók- Streichquartette mehr zu hören. Dies ist die beste Aufnahme der Bartók-Quartette überhaupt." ('In Tune', Japan/USA)")
![Duo Maingold](https://www.releases.kuk-art.com/sites/default/files/category_pictures/duo-maingold.jpg "Christina Bernard · Sopran- & Alt-SaxophonLea Maria Löffler · Harfe
Christina Bernard, 1995 in Erlangen geboren, begann ihr Jungstudium mit 16 Jahren an der Hochschule für Musik Würzburg, wo sie seit 2013 ihr Studium bei Lutz Koppetsch fortführt. Ihre Ausbildung ergänzte sie durch Meisterkurse u. a. bei Arno Bornkamp, Joonatan Rautiola, Jan Schulte-Bunert, Vincent David, Lars Mlekusch und Johannes Thorell. Christina Bernard gewann zahlreiche Preise, darunter erste Bundespreise bei Jugend musiziert, den 3. Preis beim Berthold Hummel-Wettbewerb in Würzburg, den ersten Preis beim 1st International J. Pakalnis International Competition for Wind and Percussion Instrumentalists in Litauen, den ersten Preis beim 23. Internationalen Louis-Spohr-Wettbewerbund den 1. Preis sowie Fürderpreise beim Wettbewerb um den Wolfgang Fischer und Maria Fischer-Flach-Preis. 2018 erhielt sie ein Stipendium des Deutschen Musikwettbewerbs, verbunden mit der Aufnahme in die 63. Bundesauswahl Konzerte Junger Künstler. Christina Bernard ist Stipendiatin der Studienstiftung des deutschen Volkes, von Yehudi Menuhin "Live Music Now" und wurde durch das Deutschlandstipendium gefördert. Orchestererfahrungen sammelte die Saxophonistin u. a. als Mitglied im Bundesjugendorchester, im WDR Sinfonieorchester Köln, bei den Essener Philharmonikern, den Würzburger Philharmonikern und den Thüringer Symphonikern. Als Solistin gastierte sie mit dem Kammerorchester in Bischkek in Kirgistan und dem Ensemble-Orchester der Nationalen Philharmonischen Gesellschaft Musica Humana Juventus in Litauen.
Die einundzwanzigjährige Lea Maria Löffler begann ihre musikalische Ausbildung mit der Violine im Alter von vier Jahren. Ein Jahr später entdeckte sie ihre Liebe zur Harfe und begann mit dem Unterricht. Zu ihren Lehrern gehören unter anderem Judith Geißler, Silke Aichhorn, Prof. Andreas Mildner und Prof. Mirjam Schröder. Von 2008 bis 2013 studierte sie in der Frühförderklasse der Hochschule für Musik Würzburg und von 2013 bis 2016 im Jungstudierenden-Institut der Hochschule für Musik Detmold das Fach Harfe, das sie seit dem Wintersemester 2016 als Vollstudium bei Prof. Godelieve Schrama fortsetzt. 2018 bis 2019 war sie Erasmusstudentin in der Klasse von Isabelle Moretti am Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris. Beim Deutschen Musikwettbewerb 2018 erspielte sie sich ein Stipendium, verbunden mit der Aufnahme in die Bundesauswahl Konzerte Junger Künstler. Zusätzlich wurde sie mit dem Sonderpreis des Verbandes der Harfenisten in Deutschland e.V. ausgezeichnet. 2018 war Lea Maria Löffler Preisträgerin beim Internationalen Harfenwettbewerb der Franz Josef Reinl Stiftung, 2012 beim Internationalen Harfenwettbewerb Félix Godefroid in Belgien und 2010 beim Harfenwettbewerb des Verbandes der Harfenisten in Deutschland e.V. Seit 2018 wird sie von der Studienstiftung des deutschen Volkes, seit 2017 von der Dr. Franz Stüsser Stiftung und seit 2015 von der Werner Richard - Dr. Carl Dörken Stiftung gefördert, wodurch sie im Herbst 2016 eine Tournee in der Reihe Best of NRW startete. Außerdem erspielte sie sich das Conrad von der Goltz Stipendium der Hochschule für Musik Würzburg und erhielt Förderpreise der Sparkassen NRW und der Hindemith Stiftung. 2010 gab Lea Maria ihr erstes Solokonzert mit Orchester und spielte u. a. mit den Würzburger Philharmonikern und den Bergischen Symphonikern. Orchestererfahrung sammelte sie im Bundesjugendorchester. Regelmäßige Soloauftritte und Konzertreisen führten sie zu den verschiedensten Konzertsälen im In- und Ausland. Außerdem tritt Lea Maria im Fernsehen auf und hat mit mehreren Rundfunksendern wie dem BR, dem WDR und dem Deutschlandfunk zusammengearbeitet. Mehrere CDs zeugen von ihrer künstlerischen Arbeit.
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![Duo Reine Elisabeth](https://www.releases.kuk-art.com/sites/default/files/category_pictures/reine-elisabeth.jpg "Duo Reine Elisabeth ~ Klavierduo Rolf Plagge und Wolfgang Manz
Rolf Plagge und Wolfgang Manz gehören seit ihren großen Erfolgen auf internationalen Wettbewerben wie Leeds, Brüssel, Warschau und Moskau zu herausragenden Pianisten ihrer Generation. Beide studierten an der renommierten Hochschule für Musik und Theater Hannover, beide haben viele Preise und verschiedene Stipendien gewonnen.
Neben ihrer umfangreichen solistischen Tätigkeit im In- und Ausland widmen sich beide seit 1988 auch dem Duospiel. Der Name des Duos ist als dankbare Reverenz an den weltberühmten "Concours Reine Elisabeth" in Belgien zu verstehen: den auf diesem Wettbewerb errungenen Preisen in den Jahren 1983 und 1987 verdanken beide Pianisten große Impulse für ihre musikalischen Karrieren.
Konzerte führten das Klavierduo in einige europäische Länder als auch nach Mittel- und Südamerika (Chile, Mexiko). Beide haben mit namhaften Dirigenten wie Bernhard Klee, Pierre Bartholomée, Christian Kluttig und Frank Beermann u. a. konzertiert.
Das breite Repertoire des Duos erstreckt sich über die gesamte Literatur aller Stilepochen vom Barock bis zur Moderne. Abgesehen von klassisch-romantischen Programmen werden ebenso aktuelle Kompositionen von deutschen und ausländischen Komponisten aufgeführt wie von Volker Blumenthaler, Richard Heller, Karl Thieme, Frédéric van Rossum, Daniel Capelletti und Piet Swerts. Besonders intensiv beschäftigen sich Rolf Plagge und Wolfgang Manz auch mit seltenen Transkriptionen bekannter Orchesterwerke und Ballette: Igor Strawinskys Ballette "Petruschka" und "Le Sacre du Printemps", Franz Liszts Version der 9. Symphonie von Ludwig van Beethoven für 2 Klaviere, Aram Khatschaturjans Ballette "Gayaneh" und "Spartakus" oder auch Alexander Tscherepnins selten gehörtes 4. Klavierkonzert in Form einer Fantasie in drei Sätzen über chinesische Volksmärchen. Strawinskys "Sacre" hat das Duo über 20 Mal mit den Balletten in Leipzig und Karlsruhe in diversen Choreographien (Uwe Scholz, Davide Bombana) aufgeführt. Aufführungen des Balletts "Der Feuervogel" in einer Version für 2 Klaviere sind in Planung.
Beide Pianisten sind außerdem als Pädagogen tätig: Rolf Plagge leitet eine Klavierklasse an der Universität Mozarteum in Salzburg, er ist Vorsitzender der Kommission für alle klavierpädagogischen Studien. Wolfgang Manz betreut eine Klavierklasse an der Hochschule für Musik Nürnberg, an welcher er den Fachbereich der Tasteninstrumente leitet und Mitglied des Senats und Hochschulrats ist.
Bisher hat das Klavierduo mehrere CDs mit Werken von Mozart, Beethoven-Liszt, Schubert, Liszt, Debussy, Rachmaninow, Skrjabin, und Schostakowitsch eingespielt.")
![Gabriel Rivano Trio](https://www.releases.kuk-art.com/sites/default/files/category_pictures/gabriel-rivano-trio.jpg "Gabriel Rivano Trio
Der Bandoneonist Gabriel Rivano und der Gitarrist Victor Villadangos musizieren seit über 20 Jahren gemeinsam auf den internationalen Bühnen, in kammermusikalischer Besetzung und mit großen Orchestern. Bei ihren europäischen Tourneen bilden sie mit der Flötistin Mónica Taragano das „Gabriel Rivano Trio". Charakteristisch für dieses faszinierende Trio ist das Zusammenwirken klassischer Klänge von Gitarre und Flöte mit Rivanos subtilen Improvisationen und Arrangements auf dem Bandoneon.
Gabriel Rivano lebt in Buenos Aires wo er 1958 geboren wurde. Er ist Bandoneonist, Gitarrist, Flötist und Komponist und tritt seit 1981 in unterschiedlichen Formationen in Konzertsälen und Theatern in Südamerika, Europa und Asien auf. Rivano arbeitet gerne mit Musikern verschiedener Ausrichtungen (Tango, Folklore, Jazz, klassische Musik). 1990 gründete er das "Gabriel Rivano Quinteto". Für dieses Ensemble schrieb er zahlreiche kammermusikalische Stücke und mehrere Konzerte, u.a. ein Konzert für Bandoneon, Gitarre und Orchester, das 1997 uraufgeführt wurde. Mehrere seiner Werke hatten ihre Premiere im berühmten "Teatro Colón" in Buenos Aires.
Victor Villadangos ist ebenfalls in Buenos Aires geboren und Professor für Gitarre am dortigen "Juan José Castro Konservatorium". Seit 1980 gibt er ausgedehnte Konzertreisen, sowohl als Solist als auch in Kammermusikensembles. Er konzertierte auf allen wichtigen Bühnen Argentiniens und gastierte international in Europa, USA, Kanada, Israel, Japan und Lateinamerika. 1990 wurde ihm das "Diploma al Mérito" durch die Konex Foundation für seine künstlerische Tätigkeit verliehen.
Mónica Taragano ist in Argentinien geboren und absolvierte ihre Ausbildung für Querflöte am National-Konservatorium Buenos Aires in der Klasse von Oscar Piluso. Sie nahm an mehreren Musikwettbewerben teil und gewann u.a. den Franz-Liszt-Preis, erhielt den "Concours Presencias de la Musica" und den "Fondo National de las Artes". 1996 kam sie dank eines Stipendiums nach Frankreich, wo sie mit Pierre-Yves Artaud, Mihi Kim und Arlette Biget arbeitete. Sie verfügt über ein sehr vielseitiges Repertoire. Taragano lebt in Frankreich und unterrichtet am Konservatorium in Villeneuve St-Georges.
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![Geghard Ensemble](https://www.releases.kuk-art.com/sites/default/files/category_pictures/geghard_ensemble.jpg "Geghard Ensemble
Vokalensemble aus Armenien
Leitung: Anahit Papayan · Künstl. Leitung: Prof. Mher Navoyan
Das Geghard Ensemble (armenisch: gesprochen "Gerhard") wurde 2001 von der Sängerin und Dirigentin Anahit Papayan gegründet. Künstlerischer Leiter des Chores ist ihr Mann Prof. Mher Navoyan, Spezialist für mittelalterliche Musik am Staatlichen Komitas-Konservatorium Jerewan. Ziele des achtköpfigen Vokalensembles sind die Aufführung und Verbreitung armenischer geistlicher und folkloristischer Chormusik. Jeden Sonntag singt der Chor die Liturgie im Gottesdienst im Felsenkloster Geghard und unternimmt auch Konzertreisen. So wurden die Sängerinnen mehrmals vom Verein Kuratorium UNESCO Welterbe Kloster Lorsch nach Deutschland eingeladen; weitere Auftritte - etwa im Rahmen der Armenischen Kulturtage Stuttgart (2011, 2012) - folgten. Auch in Österreich und Frankreich war das Ensemble zu Gast. 2010 gewann es den Wettbewerb für orthodoxe Musik Kolozhski Blagovest in Weißrussland und wurde im selben Jahr mit dem ersten Preis beim internationalen Wettbewerb "Hajnowka's Days of Orthodox Music" in Polen ausgezeichnet. 2011 war das Geghard Vokalensemble zu Gast bei den Sacrées Journées in Straßburg. Weitere Einladungen führten den Frauenchor zum "Festival des Voûtes celestes" (Frankreich, 2011), zu "Musica Sacra International" (Marktoberdorf, 2012), zum "Al-Bustan-Festival" in Beirut (2013), an die Geistliche Akademie St. Petersburg (2014), zum Festival Musik im alten Krakau (2015), zum Moskauer Oster-Festival (2016), zu den Salzburger Festspielen (2016) oder in die Hamburger Elbphilharmonie (2018).
Im Mittelpunkt ihres Programms stehen armenische sakrale Lieder und Melodien aus dem Mittelalter, aber auch Volkslieder. Die Konzerte des Geghard-Chores stiften von Anfang an etwas ganz Seltenes, eine vertraute Gemeinschaft zwischen den Interpretinnen und dem Auditorium. Vieles an dieser wunderbaren Musik scheint hierzulande üblichen Hörgewohnheiten sehr nahe zu kommen, manches aber führt weit darüber hinaus, lässt die uralten historischen Bezüge erahnen: Gesang aus den Tiefen der Jahrhunderte.
Kloster Geghard (armenisch: gesprochen "Gerhard") ist ein armenisches Kloster am Eingang des oberen Azat-Tales in der Provinz Kotajk. Das Kloster gehört seit 2000 zum Weltkulturerbe der UNESCO. Die Gründung im vierten Jahrhundert n. Chr. wird dem Heiligen Gregor, dem Patron der Armenischen Apostolischen Kirche, zugeschrieben. Nachdem die Araber es im neunten Jahrhundert zerstörten, wurde es im Jahre 1215 wieder errichtet. Das Kloster gehört zu den bedeutenden Zeugnissen der Armenischen Apostolischen Kirche.
Anahit Papayan wurde 1979 in Jerewan, Armenien, geboren. Ihr Gesangsstudium am Staatlichen Komitas-Konservatorium Jerewan schloss sie mit dem Master ab. Als Kind war sie zunächst Mitglied des Chores "Little Singers of Armenia" (Künstlerischer Leiter: Tigran Hekekyan), von 1996 bis 2000 Solistin des Chores "Saghmos" (Dirigentin: Lilit Sargsyan) an der Kirche des Heiligen Katoghikeh, die zur Diözese Kotayk der Armenischen Apostolischen Kirche gehört. Zudem sang sie von 1998 bis 2000 als Solistin im Kammerchor des Öffentlichen Armenischen Radios (Künstlerischer Leiter: Tigran Hekekyan). 2001 gründete Anahit Papayan das Geghard Vokalensemble und arbeitet seitdem als Dirigentin und Solistin im Kloster des Heiligen Geghard. Von 2004 bis 2012 war sie als Solistin am "Staatlichen Zentrum für Armenische Geistliche Musik" engagiert, 2012 erfolgte ihre Ernennung zur Direktorin des Staatlichen Zentrums für Armenische Geistliche Musik. Das Repertoire von Anahit Papayan umfasst armenische Sakralmusik sowie Werke armenischer, russischer und westeuropäischer klassischer Komponisten.
Links: Internetseite
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![GrauSchumacher](https://www.releases.kuk-art.com/sites/default/files/category_pictures/grauschumacher-2.jpg "GrauSchumacher
Klavierduo
Andreas Grau & Götz Schumacher
Klug zusammengestellte Programme sind das Markenzeichen, mit dem sich Andreas Grau und Götz Schumacher als eines der international renommiertesten Klavierduos profiliert haben. Ihr Miteinander am Klavier lässt sie als künstlerische Seelenverwandte erscheinen. Mit ihrem weit reichenden Spektrum an Ausdrucksmöglichkeiten waren sie Gast bei diversen Festivals und Konzerthäusern (u.a. Kölner Philharmonie, Berliner Philharmonie, Schwetzinger Festspiele, Salzburger Festspiele, Tonhalle Zürich, Klavierfestival "La Roque d'Anthéron"), und sie arbeiteten mit Dirigenten wie Michael Gielen, Lothar Zagrosek, Emanuel Krivine, Heinz Holliger, Kent Nagano, Bertrand de Billy, Andrej Boreyko, Georges Prêtre und Zubin Mehta zusammen. Zu den jüngeren Projekten gehören Konzerte mit dem Deutschen Symphonie-Orchester und dem Konzerthausorchester Berlin, dem Radiosymphonieorchester Wien und dem Orchestre National de Lyon sowie Auftritte beim Internationalen Musikfestival Luzern, im Wiener Konzerthaus und an der "Cité de la Musique" in Paris. Den Hang zu ausgefeilten Programmkonzepten dokumentieren auch ihre CD-Einspielungen. Ihre Aufnahme von Stockhausens "Mantra" wurde von "Le monde de la musique" und "Diapason" ausgezeichnet. "The Gramophone" kürte die CD "Visions de l'Amen" mit Werken von Messiaen und Schütz/Kurtág zur "Editor's Choice". Mit gleich zwei herausragenden Konzertereignissen in Berlin starteten Andreas Grau und Götz Schumacher in die Saison 2010/11: Beim Musikfest Berlin trat das Duo im September mit dem Bayerischen Staatsorchester München unter Kent Nagano in der Berliner Philharmonie auf; im Oktober eröffnete es die erfolgreiche Serie der Mozart-Matineen am Konzerthaus Berlin mit dem Konzerthausorchester und seinem Chefdirigenten Lothar Zagrosek.")
![Hamburger Ratsmusik](https://www.releases.kuk-art.com/sites/default/files/category_pictures/ratsmusik.jpg "Hamburg Ratsmusik
Barock-Ensemble
Die Hamburger Ratsmusik: ein Ensemble mit 500-jähriger Geschichte.
Dieser Gegensatz reizt zum kreativen Dialog zwischen Tradition und Gegenwart, von Alter Musik und lebendiger Interpretation.
Die Anfänge der Hamburger Ratsmusik reichen zurück bis ins 16. Jahrhundert. Nach dem Grundsatz "Gott zu Ehren und Hamburg zur Lust, Ergötzlichkeit und Nutz" leistete sich die Stadt ein Eliteensemble von acht Ratsmusikern, das vielen fürstlichen Hofkapellen Konkurrenz machen konnte. Seine erste Blüte erreichte das Ensemble im 17. und 18. Jahrhundert unter führenden Musikern wie William Brade, Johann Schop, Georg Philipp Telemann und Carl Philipp Emanuel Bach.
Wiederauferweckt 1991 von der Gambistin Simone Eckert hat das Ensemble in nun zwanzigjähriger Zusammenarbeit mit Hingabe und Enthusiasmus ein umfangreiches und außergewöhnliches Repertoire erarbeitet. Für die Musiker ist die Musik ihrer Vorgänger durch ihre enge Anlehnung an Rhetorik und durch nuancenreiche Artikulation so "beredt", so nah an der menschlichen Sprache wie keine andere. Durch ihre klaren Strukturen und die vielfältigen Rhythmen, entlehnt aus jahrhundertealten Tänzen, entwickelt die Musik des 16. bis 18. Jahrhunderts ihren eigenen Swing.
Auch lockt immer wieder das Abenteuer der Neuentdeckung unbekannter alter Musik, die in Europas Bibliotheken schlummert. Diese Schätze wiederzubeleben ist eine spannende Zielsetzung. In Konzerten, Rundfunk- und CD-Einspielungen und in Editionen für internationale Verlage präsentieren die Ratsmusiker ihre Entdeckungen dem Publikum.
Das Ensemble konzertiert heute auf den wichtigen Festivals in Deutschland, darunter die Göttinger Händelfestspiele, die Barockfestspiele Bad Arolsen, die Händel-Festspiele Halle, das Bachfest 2004 in Hamburg, Bayreuther Barock, der Fränkische Musiksommer, die Niedersächsischen Musiktage, die Thüringer Bachwochen, das Gottorfer Barockfest, die Darmstädter Residenzfestspiele, das internationale Buxtehudefest 2007 in Lübeck, die internationalen Heinrich-Schütz-Tage 2007 in Hamburg, das Bachfest Leipzig, das Schleswig-Holstein Musikfestival, die Festspiele Mecklenburg-Vorpommern, den MDR-Musiksommer, das Rheingau Musikfestival, "Italia mia" und die Resonanzen in Wien, die Internationalen Orgelwochen Nürnberg, das Festival Sandstein und Musik in Dresden, das Moselmusikfestival und die Europäischen Wochen Passau.
Die inzwischen mehr als zwanzig CDs mit Ersteinspielungen Alter Musik für die Labels NCA, Christophorus, cpo, Thorofon und Phoenix Editions und Aufnahmen für fast alle deutschen Rundfunksender dokumentieren seine bedeutenden Wiederentdeckungen von Musik aus Barock und Frühklassik. Seit 2009 veröffentlicht die Hamburger Ratsmusik deren Notenmaterial in einer eigenen Editionsreihe beim Verlag Walhall. Die internationale Presse lobt die "Subtilität" und die "exzellente Kenntnis des barocken Stils" seiner Interpretationen und die Hamburger Ratsmusik als "führendes Ensemble für Alte Musik".
2006 wurde das Ensemble mit dem Echo-Klassik, dem wichtigsten deutschen Musikpreis, ausgezeichnet für die CD "Lübecker Virtuosen". Seine CD "Thomas Selle - Chorale Concertos & Chorale Variations" erhielt mit der Reihe "Musica Sacra Hamburgensis" den Echo Klassik Sonderpreis 2010.")
![Kammervereinigung Berlin](https://www.releases.kuk-art.com/sites/default/files/category_pictures/ka-berlin.jpg "Kammervereinigung Berlin
Bläserquintett
"Erst aus einer homogen geschlossenen Klangbildung heraus kann solistisches Musizieren wachsen."
Diese stilistische Konzeption prägt das Ensemble seit seiner Gründung im Jahre 1984. Anfangs unter Anleitung ihres damaligen Mentors Prof. Eberhardt Grünenthal erarbeiteten sich die fünf jungen Musiker - damals noch Studenten an der Berliner Musikhochschule “Hanns Eisler” - innerhalb kürzester Zeit ein umfangreiches Repertoire aus Standardwerken der Quintett-Literatur sowie weniger bekannten Kompositionen auch der Neuen Musik. Seit 1989 betreut von dem Detmolder Professor Michael Höltzel kann das Ensemble neben zahlreichen nationalen und internationalen Konzertreisen auf etliche Wettbewerbspreise verweisen, darunter u.a. Auszeichnungen bei den ARD-Wettbewerben in München 1989 und 1993 sowie den 1.Preis des Deutschen Musikwettbewerbs Bonn 1991. Die Mitglieder der Kammervereinigung Berlin besetzen führende Positionen in namhaften Orchestern - wie der Norddeutschen Philharmonie Rostock, dem Orchester der Komischen Oper Berlin, der Staatskapelle Berlin oder dem Orchester der Bayreuther Festspiele - und sind freischaffend als Solisten tätig.")
![Les Menestrels](https://www.releases.kuk-art.com/sites/default/files/category_pictures/menestrels.jpg "Les Menestrels
Ensemble für Alte Musik
Das Ensemble Les Menestrels wurde 1963 von Klaus Walter und Michel Walter gegründet. Aus deren ursprünglicher Beschäftigung mit der Musik des 20.Jahrhunderts ergab sich das Interesse an den konstruktiven, polyphonen Kompositionen des 14. u. 15. Jahrhunderts, vor allem der Ars Nova. Trotz Ausdehnung des Repertoires bis zur Zeit um 1600 sind diese das Hauptanliegen der Gruppe geblieben. Das historische Instrumentarium wurde schrittweise erweitert, um nach Möglichkeit jede Epoche in ihrem charakteristischen Klang wiedergeben zu können. Den ersten großen Erfolg erzielten Les Menestrels bei den Wiener Festwochen 1965 mit der szenischen Aufführung der Cantefable „Aucassin und Nicolete", für die H.C. Artmann die Übersetzung beigesteuert hatte. In der Folge entstanden neben rein konzertanten Programmen auch solche mit literarischem Leitfaden bis hin zu szenischen Aufführungen. Die Herkunft von der zeitgenössischen Musik hat die Gruppe auch heute noch nicht ganz vergessen. In einem ihrer Programme werden parallele Erscheinungen der Alten und Neuen Musik einander gegenübergestellt. Bei den Konzerten des Ensembles wirken, je nach Programm, vier bis zehn Sänger und Instrumentalisten mit. Es stehen an die siebzig historische Instrumente für die Zeit von 1200 bis 1600 zu Verfügung.
Konzerte, Rundfunk- und Fernsehaufnahmen führten das Ensemble in fast alle europäischen Staaten, in die USA, nach Kanada und Japan. Schallplattenaufnahmen bei Westminster, Amadeo, Belvedere und mirror music. Festivalteilnahmen von Les Menestrels: Wiener Festwochen, Salzburger Festspiele, Festivales d‘Espana, Festival Estival de Paris, Internationale Orgelwoche Nürnberg, Europäische Wochen Passau, Intern. Musikfestwochen Luzern, Dubrovnik Festival, Schwetzinger Festspiele, Musik im Alten Krakau, Festivals in Ossijek, Flaanderen, Istanbul, Ljubljana, Ochrid, Klosterkonzerte Maulbronn u.v.a.m.
Birgit Kurtz - Sopran, Florian Mayr - Kontratenor
Kurt Kempf - Tenor, Erich Klug - Bass
Klaus Walter - Laute, Michel Walter - Zink
Eva Brunner - Diskantstreichinstrumente
Gebhard Chalupsky - Rohrblattinstrumente")
![Marco Marchi & The Mojo Workers](https://www.releases.kuk-art.com/sites/default/files/category_pictures/marco_marchi.jpg "Marco Marchi & The Mojo Workers ~ Akustik-Blues-Quartett
Das Bluesquartett 'Marco Marchi & the Mojo Workers' aus der Schweiz spielt die Musik aus der Zeit, als der Alkohol aus Teetassen getrunken wurde und Al Capone für den Nachschub sorgte. Die musikalischen Perlen des Pre-War-Blues aus den Juke Joints und den Speakeasies wurden von Marco Marchi & the Mojo Workers behutsam abgestaubt und entfalten wieder die ursprüngliche und packende Energie der Musik von Blind Blake, Mississippi John Hurt, Tampa Red, Blind Boy Fuller und Robert Johnson.
Mit Fabio Bianchi an der Tuba, Claudio Egli an der Bluesharp, Toby Stiftner am Washboard und Drums, spielt der Ausnahmegitarrist und Sänger Marco Marchi Blues, Ragtime und Swing der guten alten Zeit. Marco und seine Boys sind jedoch nicht nur dem reichen musikalischen Erbe aus den Südstaaten verpflichtet, sondern sie führen die Ideen des Ragtimes, des Piedmont-Blues und des Hokums ins 21. Jahrhundert. So sind denn auch ihre funkelnden Eigenkompositionen, alles andere als lahme Oldtimer! Es ist bei Weitem keine nostalgische Reminiszenz an die vergangenen Tage, sondern eine spannende Wiederentdeckung der ursprünglichen Frische und Kraft der Musik aus der später dann der Rock'n'Roll, der Beat und der Soul entsprungen sind.
Ohne grosse Verstärker, aber dafür mit den Originalinstrumenten dieser Zeit, entsteht so eine echte, handgemachte Musik für Geniesserinnen und Geniesser. Diese bewusste Fokussierung, sowie die konsequente Umsetzung können als Markenzeichen dieser Formation gesehen werden und zeichnen auch deren Einzigartigkeit in der Musiklandschaft aus.
Seit den ersten Konzerten im Herbst 2009 erzielt die Band schweizweit wachsende Erfolge beim Publikum und bei der Fachpresse, so dass sie heute als eine der grossen Versprechungen des Roots Blues gilt. Der erste Tonträger "Listening to my soul" kam 2010 heraus und fand sofort regen Anklang. Das ermöglichte der Band auch eine ausgedehnte Konzerttätigkeit und erste Auftritte an wichtigen Festivals wie dem Piazzablues in Bellinzona und dem Bluessummit in Genf. Im Herbst 2011 gewann die Band den Swiss Blues Challenge und sie waren darauf die ersten Teilnehmer aus der Schweiz, die jemals an der International Blues Challenge in Memphis auftreten durften. Die internationale Aufmerksamkeit steigerte den Bekanntheitsgrad beträchtlich und zeigte der Band, dass sie mit ihrem unkonventionellen Konzept auf einem sehr guten Weg waren. Im November 2012 erschien die CD 'My old river' mit vielen spannenden Eigenkompositionen und Gastbeiträge von bekannten amerikanischen Interpreten. Wie schon bei der ersten CD waren die Reaktionen der Fachpresse und des Publikums sehr positiv Die Band setzte ihre fleissige Konzerttätigkeit erfolgreich fort machten sehr viele Auftritte an Festivals und Clubs in der Schweiz und in ganz Europa. Zahlreiche Artikel und Rezensionen von namhaften Kritikern attestieren der Band eine ausgezeichnete Qualität.
"Marco Marchi & The Mojo Workers bringen frischen Atem in die Bluesszene. Ihre Sicht auf den Blues ist innovativ, aufregend und einzigartig." (Will Bearden - KBA-Winner und Jury-Mitglied der International Blues Challenge in Memphis)
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![Nel Dolce](https://www.releases.kuk-art.com/sites/default/files/category_pictures/nel-dolce.jpg "Nel Dolce ~ Das Kölner Barockensemble
'Knisternd elektrisierend' titelte die Frankfurter Neue Presse, 'Barockmusik vom Feinsten, atemberaubend in den Kontrasten, im Zusammenspiel und in der Virtuosität', bescheinigte die Kölnische Rundschau dem Ensemble Nel Dolce. Die Symbiose von erfrischender Virtuosität und ansteckender Musizierfreude mit historischer Aufführungspraxis hat sich das Ensemble auf die Fahnen geschrieben - und das kommt an. Ursprünglich in unterschiedlichen Musikrichtungen verwurzelt, bringt jedes Ensemblemitglied seine individuelle Persönlichkeit in die gemeinsame Arbeit ein. Auf diese Weise verfügt Nel Dolce über einen weiten musikalischen Horizont, der trotz der gemeinsamen Spezialisierung auf den Bereich der Alten Musik immer offen bleibt für Experimentierfreude und Ausflüge in andere Epochen und Stile. Wesentlich geprägt wurde das 2003 gegründete Ensemble durch das gemeinsame Kammermusikstudium an der Hochschule für Musik und Tanz Köln. Auch in Meisterkursen kamen die Musiker des Ensembles mit den großen Persönlichkeiten der Alten Musik-Szene wie Ketil Haugsand, Konrad Junghänel, Wieland Kuijken, Dorothee Oberlinger oder Hille Perl in musikalischen Kontakt. 2010 errang Nel Dolce den 1. Preis beim Wettbewerb "Kammermusik auf Historischen Instrumenten" der Hochschule für Musik und Tanz Köln. Weiterhin erzielte Nel Dolce Erfolge beim Biagio-Marini-Wettbewerb sowie beim Internationalen Johann Heinrich Schmelzer-Wettbewerb. Nach der Debut-CD "Aus der Seele muss man spielen" aus dem Jahr 2006 und der Einspielung "La Rosa" im Jahr 2009 ist 2015 die CD "Tierisch barock" bei dem Label TyxArt erschienen. Das besondere Anliegen des Ensembles, die Musik des 17. und 18. Jahrhunderts in der heutigen Zeit lebendig werden zu lassen, äußert sich sowohl in der Interpretation der Werke als auch in innovativen Aufführungskonzepten: Nel Dolce arbeitet erfolgreich mit dem Pantomime-Star Milan Sladek sowie mit dem Schauspieler Joachim Berger zusammen. Als weiteres Standbein des Ensembles haben sich professionelle Kinderkonzerte etabliert, bei denen die Musiker des Ensembles die Begeisterung für ihre Musik an die nachfolgenden Generationen weitergeben.
Stephanie Buyken (Blöckflöten & Gesang) · Olga Piskorz (Violine) · Harm Meiners (Violoncello) · Flóra Fábri (Cembalo)
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![New Orleans Jazz Band of Cologne](https://www.releases.kuk-art.com/sites/default/files/category_pictures/new-orleans-jazz-band-of-cologne.jpg "New Orleans Jazz Band of Cologne
Die "New Orleans Jazz Band of Cologne" kann auf eine über 60-jährige Geschichte, größtenteils als "Maryland Jazz Band of Cologne", zurückblicken. Auf Wunsch des im Herbst 2015 verstorbenen Bandleaders Doggy Hund wechselte die Band ihren Namen und präsentiert sich seit Anfang 2016 als "New Orleans Jazz Band of Cologne". Das musikalische Konzept, den traditionellen und authentischen New Orleans Jazz zu pflegen, steht weiterhin im Fokus - auch weil wir wissen, dass der "New-Orleans-Sound" einer siebenköpfigen, original besetzten Band wie unserer nicht (mehr) oft zu hören ist. Als Vorbild und musikalische Orientierung galten von Beginn an die Bands der legendären Preservation Hall. Auf der ersten Reise nach New Orleans, bei der die Band von einer großen Gruppe deutscher Fans begleitet worden war, wurden am 2. April 1994 alle Musiker zu Ehrenbürgern der Stadt New Orleans ernannt - für uns eine große Ehre und eine Würdigung der Verdienste um die Erhaltung und Verbreitung des New Orleans Jazz.
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![Paris Washboard](https://www.releases.kuk-art.com/sites/default/files/category_pictures/paris-washboard.jpg "Paris Washboard
Trad. Jazz Ensemble
Paris Washboard wurde 1988 gegründet. In der Band kommen vier Instrumente zum Einsatz: Klarinette, Posaune, Piano und ein Waschbrett. Die Erfolgsformel überrascht und bezaubert durch ihre Originalität und ihre Beweglichkeit. Der Erfolg, den die Band schon seit 25 Jahren in allen Teilen der Welt genießt, zeigt ihre Einzigartigkeit in der Welt des traditionellen Jazz. Überall hat man Erwartungen durch Staunen ersetzt: Gemeinsames Erleben von Miteinander, jugendlicher Enthusiasmus, Humor, Professionalität, ein reiches Repertoire, das immer wieder erweitert wird (20er und 30er Jahre, Fats Waller, James P. Johnson, Duke Ellington, etc. aber auch Originalkompositionen). Man zeigt in der musikalischen Gesamtheit eine besondere Individualität, die an solide Freundchaft gebunden ist.
Daniel Barda, Gründer und Leader des Ensembles, ist eigentlich Dirigent mit klassischer Ausbildung, der sich meist seiner zweiten Leidenschaft hingibt: Traditioneller Jazz. Bei dieser Art von Musik spielt er die Posaune mit Vitalität und Leichtigkeit. Bei einer Umfrage in einem Jazz-Blatt wurde er zum besten New-Orleans-Posaunisten Frankreichs gewählt. In den USA hat man ihn mit James Archey, Turk Murphy und Jack Teagarden verglichen, drei Ikonen des amerikanischen Jazz. 1998 hat Daniel Barda mit Paris Washboard sein hundertstes Album veröffentlicht. "Paris Washboard In Concert" ist Nr. 150!
Stephane Seva spielt das Waschbrett - tatsächlich ein echtes Waschbrett aus Wellblech, über das er zehn Fingerhüte tanzen lässt, die auf seinen Fingerspitzen sitzen. Der Klang des Waschbretts wird dabei durch Zymbal- und Klopfholzklänge abgerundet. Stephane Seva ist auch Sänger und bereichert die Vorstellung der Gruppe mit viel innovativem Geist und Humor.
Alain Marquet ist ein einzigartiger Klarinettist mit märchenhafter Virtuosität und tiefem Gefühl. Sein Stil erinnert an Johnny Dodds und Sidney Bechet der Zwanziger Jahre: Runder und farbiger Klang, geschmeidige Passagen in Perfektion, die geschmückt sind mit einfallsreichen Verzierungen, und dazu ein überreiches Maß an Inspiration, Musikalität und Vitalität.
Louis Mazetier (Piano) wurde von der amerikanischen Fachpresse zum weltbesten Stride-Pianisten gewählt. Sein atemberaubendes Spiel vereinigt technische Fertigkeiten und Präzision mit physischer und mentaler Begeisterung. Seine linke Hand liefert die Bässe mit solchem Können, dass Paris Washboard nicht auf die Dienste eines Bassisten zurückgreifen muss. Seine Vorbilder sind James P. Johnson, Fats Waller und Art Tatum.")
![Quantz Collegium](https://www.releases.kuk-art.com/sites/default/files/category_pictures/quantz_collegium.jpg "Quantz Collegium
Barock-Ensemble
Künstlerische Leitung: Jochen Baier
Die erste Gründung des Quantz-Collegium geht auf das Jahr 1936 zurück, als der damals 22-jährige Flötist Ernst Friedrich Wilhelm Bodensohn (1914-2003) ein Kammermusikensemble gründete und ihm den Namen des „Vaters“ der deutschen Querflötengeschichte, Johann Joachim Quantz gab. Der 2. Weltkrieg zerstörte alle weiteren Pläne. Nach dem Krieg wurde Bodensohn der erste Soloflötist des neu gegründeten SWR Sinfonieorchesters in Baden-Baden und lebte dort mit seiner Familie. Neben seiner Orchestertätigkeit unter den Dirigenten Hans Rosbaud (1895-1962) und Ernest Bour (1913-2001) gründetet er in den 1950er Jahren mit Kollegen ein weiteres Mal das Quantz-Collegium. Von Baden-Baden aus entdeckte er das wunderbare Schloß Favorite bei Rastatt und mit grossem Engagement gelang es ihm im Jahr 1957 zum ersten Mal die Festlichen Serenaden in Schloß Favorite durchzuführen. In der nun seit über 60 Jahren bestehenden Konzertreihe hat sich ein Anliegen besonders hervorgetan. Den großen unvergesslichen Meistern der Musikgeschichte sollten auch die weniger bekannten Komponisten der Barockzeit und der Klassik gegenüber gestellt und dem Publikum zugänglich gemacht werden. Zudem ist das historische Ensemble am Hofe Friedrich II. um den Namensgeber Johann Joachim Quantz Vorbild und Verpflichtung für einen weiteren inhaltlichen Schwerpunkt: Die Aufführung und Darbietung der Flötenmusik der Barockzeit und der Klassik. Mit diesen beiden programmatischen Gewichtungen ist es nun gelungen, eine außerordentliche Vielfalt und Langlebigkeit mit dieser Konzertreihe zu erreichen. Mitzuhelfen, die Musik der Vergangenheit in ihrer großen Mannigfaltigkeit zu bewahren und in lebendigen Aufführungen darzubieten, ist ein inneres Bedürfnis des Ensembles. Die Konzerte in der prachtvollen Sala terrena von Schloss Favorite in Zusammenwirkung mit den „historischen“ Kostümen der Musiker brachten dieser Konzertreihe ihren besonderen Ruf ein, den sie bis heute genießt, und verhalfen ihrem Bestehen nun selbst zu fast historischen Dimensionen. Seit 1982 ist Jochen Baier Flötist des Ensembles und seit 1991 hat das Ensemble unter seiner Leitung durch die Vielfalt der mitwirkenden Musiker/innen und durch nochmals intensivierte Recherchearbeit in Bibliotheken und Archiven eine Fülle von Programmen entwickelt. Über 2000 verschiedene Werke wurden in dieser Zeit aufgeführt. In bisher 540 Konzerten (bis 2017) wurden an die 300 verschiedene Komponisten musikalisch vorgestellt und deren Lebensläufe im Zusammenhang der jeweiligen Zeitumstände in kleinen Texterläuterungen dargestellt. Die Darbietungen wurden bisher von mehr als 150 verschiedenen Musikern/innen aufgeführt, die teilweise nur bei einem Konzert mitwirkten oder aber als Ensemblemitglieder die Konzertreihe durch Jahre- oder Jahrzehntelange Aktivität prägten. Mehr Infos unter www.festliche-serenaden.de.
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- Brunetti: Sextett Nr. 4 in C-Dur
- Boccherini: Sextett Nr. 6 in C-Dur
- Brunetti: Sextett Nr. 5 in G-Dur
- Boccherini: Sextett Nr. 3 in A-Dur
- Boccherini: Sextett Nr. 2 in F-Dur
- Brunetti: Sextett Nr. 2 in A-Dur
- GRAUPNER: Konzert für Flöte & Viola in D-Moll, GWV 725
- TELEMANN: Violakonzert in G-Dur, TWV 51:G9
- BENDA: Flötenkonzert in G-Dur, Op. 4 Nr. 1
- GRAUPNER: Violakonzert in D-Dur, GWV 314
- Klangraum Schloss Favorite Rastatt: Galanterie
![Rubin-Quartett](https://www.releases.kuk-art.com/sites/default/files/category_pictures/rubin.jpg "Rubin-Quartett ~ Streichquartett
Das 1992 gegründete Rubin-Quartett, benannt nach dem gleichnamigen Edelstein, ist eine feste Größe im internationalen Musikleben. Das Repertoire der vier Musikerinnen reicht von sämtlichen Haydn-Quartetten über die Werke von Beethoven, Brahms, Schostakowitsch, Debussy und Bartok bis hin zu zeitgenössischer Literatur. Bereits ein Jahr nach seiner Gründung gewinnt das Quartett den ersten Preis beim Internationalen Streichquartettwettbewerb in Bubenreuth/Erlangen, 1997 den Preis für die beste Mozartinterpretation in Evian und 2000 den ersten Preis des Internationalen Streichquartettwettbewerbes der R. Hartung Stiftung. Sein Debüt im Concertgebouw Amsterdam gibt das Quartett 1995. Es folgen regelmäßige Engagements dorthin, u. a. mit Ian Bostridge und Julius Drake. Das Ensemble tritt auf den wichtigen Konzertpodien Europas auf und gastiert auf renommierten Festivals, u. a. in Luberon, Fréjus (Frankreich), Santander, Valladolid (Spanien), Mailand, dem Bremer Musikfest, dem Rheingau-Musikfestival, den Schwetzinger Festspielen und dem Festival "Printemps des Arts de Monte Carlo" (Monaco). 1998 gastieren die vier Musikerinnen beim internationalen "Streichquartett-Event" in Dortmund. Eine Einladung des Oslo Chamber Music Festival 2000/2001 führt sie mit dem Pianisten Andrej Gavrilov zusammen. 2002 beginnt eine Zusammenarbeit mit "Scène Nationale" in Poitiers (Frankreich). Die sechs Streichquartette von Béla Bartók werden dort in öffentlicher Probenarbeit, Meisterkursen, Vorträgen und Konzerten vorgestellt. Komponisten wie Caspar Johannes Walter, Franz Martin Olbrisch und Reinhard Febel schreiben Werke für das Ensemble, die u. a. bei den Tagen für zeitgenössische Kammermusik Witten, dem Festival Wien Modern, den Berliner Festspielen und Musique Action Vandoevre-les Nancy ihre Uraufführung erfahren. Eine enge Zusammenarbeit mit Komponisten wie Helmut Lachenmann, Györgi Kurtág, Silvia Fómina und Sofia Gubaidulina hat dem Ensemble starke künstlerische Impulse mit auf den Weg gegeben, ebenso das Amadeus Quartett, Raphael Hillyer und Prof. Jörg Wolfgang Jahn.")
- MOZART: Klavierkonzert Nr. 12 in A-Dur, KV 414
- MOZART: Klavierkonzert Nr. 11 in F-Dur, KV 413
- MOZART: Alle Konzerte für Klavier & Streichquartett
- MOZART: Klavierkonzert Nr. 12 in A-Dur, KV 414
- Mozart · Klavierkonzerte Nr. 11 & 12
- Mozart: Klavierkonzert Nr. 11 in F-Dur, KV 413
- SCHMIDINGER: Concertino für Klavier & Steichquintett 'a piacere'
- MOZART: Klavierkonzert Nr. 13 in C-Dur, KV 415
- MOZART: Klavierkonzert Nr. 14 in Es-Dur, KV 449
- Mozart: Klavierkonzert Nr. 14 in Es-Dur, KV 449
- Mozart: Klavierkonzert Nr. 13 in C-Dur, KV 415
- Klavierkonzerte von Mozart & Schmidinger
![Schola Gregoriana Pragensis](https://www.releases.kuk-art.com/sites/default/files/category_pictures/schola.jpg "Schola Gregoriana PragensisVokal-Ensemble
Die Schola Gregoriana Pragensis gehört mit seinem Gründer und Dirigenten David Eben zu den besten und anerkanntesten Interpreten auf dem Gebiet der ältesten europäischen Musik - des gregorianischen Chorals. Die unstreitige künstlerische Qualität dieses 8gliedrigen Männerensembles hat das Publikum der bedeutenden Musikfestivals in vielen Ländern Europas in Israel und in Japan hoch geschätzt. Die Konzertprogramme des Ensembles möchten dem Publikum die Wurzeln der gesamten europäischen Musikkultur nahe bringen sowie auch die älteste Musik, die auf dem Gebiet Böhmens entstanden ist. Es ist vielleicht interessant zu erwähnen, dass es sich oft um neu restituierte Stücke handelt, die nach vielen Jahrhunderten zu einem neuen Leben erwachen. Neben den ursprünglichen einstimmigen Choralgesängen enthalten viele Programme auch spätmittelalterliche Polyphonie, was diese Programme (besonders Codex Franus, Maiestas Dei, Rosa mystica usw.) attraktiv auch für breiteres Publikum macht! Den erfolgreichen Lebensweg der Schola Gregoriana Pragensis dokumentieren auch Preisen, der tschechischen und französischen Musikzeitschriften: "Choc du Monde de la Musique", "10 de Reperoire", die "Goldene Harmonie" für die beste tschechische Aufnahme. Zehn bisher erschienenen CDs wurden für das größte tschechische Label Supraphon aufgenommen und der inzwischen letzte CD Titel ist im Mai 2007 bei dem Label SONY BMG erschienen. Die Schola Gregoriana Pragensis wurde zum Repräsentant der tschechischen Kultur, was auch ihre Teilnahme an wichtigen Internationalen Kulturereignisse (Europalia in Brüssel, Tschechische Saison in Frankreich), zeigt. Regelmäßig tritt die Schola Gregoriana Pragensis auch im Rahmen des Musikfestivals Prager Frühling auf. Auch in den letzten zwei Jahren gastierte die Schola Gregoriana Pragensis bei verschiedenen Festivals in Deutschland, z.B., Corveyer Musikwochen, Schleswig Holstein Musik Festival, Festliche Tage Alter Musik Knechtsteden, A Capella Festivals in Leipzig, Hohenloher Kultursommer, Vokalmusik entlang der romanischen Strasse (Musiksommer Rheinland-Pfalz) u.a.")
![Three Wise Men](https://www.releases.kuk-art.com/sites/default/files/category_pictures/three-wise-men-concert.jpg "Three Wise Men · Jazz-Trio
"Three Wise Men" sind der Klarinettist und Saxophonist Frank Roberscheuten, der Pianist Rossano Sportiello und der Schlagzeuger und Percussionist Martin Breinschmid, die sich seit vielen Jahren als ein in Europa führendes klassisches Jazztrio etabliert haben. 2007 von dem Niederländer Frank Roberscheuten gegründet, tourt die Band durch ganz Europa und bewies in über 700 Konzerten ihr herausragendes Format.
Frank Roberscheuten ~ Klarinette & Saxophon
begann seine musikalische Laufbahn in einem Holzblasorchester. Sein klassisches Studium am Konservatorium in Den Haag und am Brabants-Konservatorium in Tilburg schloss er mit "Cum Laude" ab. Seine Inspiration fand er bei den großen traditionellen Jazz-Klarinettisten wie Barney Bigard, George Lewis, Edmond Hall. Eine tiefe Verwurzelung im traditionellen Jazz und sein sehr persönlicher Stil machen Frank zu einem besonderen Musiker. Er schätzt sich glücklich, mit den besten Jazzmusikern der Welt aufzutreten. Ebenso ist er immer wieder gerne Gast der New Orleans Jazz Band of Cologne. Im März 2016 wurde Frank mit dem Preis "Keeper Of The Flame" für seine Arbeit im Bereich des traditionellen Jazz ausgezeichnet.
Rossano Sportiello ~ Piano
Der aus Mailand stammende und in New York lebende Pianist Rossano Sportiello gilt als das Herzstück des Trios. Nach einem klassischen Klavierstudium in Mailand etablierte er sich im Jazz-Zentrum der Welt, in New York City, und spielt eine erstaunliche Vielfalt an Stilen, die Klassik, Stride-Piano und Bebop mischen. Bebop-Legende Barry Harrys sagte über ihn: "Rossano ist einfach der beste Stride-Pianist der Welt." Und die New York Times schrieb: "Sportiello ist der beste italienische Import seit dem Barolo."
Martin Breinschmid ~ Schlagzeug & Vibraphon
Der Wiener Schlagzeuger und Percussionist Martin Breinschmid liefert das rhythmische Fundament für die Wise Men. Seine Leidenschaft für virtuoses Swing-Drumming à la Gene Krupa, Vibraphon à la Lionel Hampton und der Einsatz von ungewöhnlichen Percussion-Objekten machen ihn zu einer einzigartigen Persönlichkeit im Jazz.
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![Stuttgarter Kammersolisten](https://www.releases.kuk-art.com/sites/default/files/category_pictures/stuttgart-chamber-soloists.jpg "Stuttgarter Kammersolisten ~ Streichquartett
Daniel Rehfeldt - Violine & Ensemble-Leitung
Yuki Mukai - Violine
Igor Michalski - Viola
Hugo Rannou - Cello
Die Stuttgarter Kammersolisten wurden 2014 auf Initiative des Konzertmeisters und musikalischen Leiters der KammerSinfonie Stuttgart Daniel Rehfeldt zusammen mit dem Pianisten Christoph Soldan ins Leben gerufen. Das neugegründete Ensemble, bestehend aus den Stimmführern der KammerSinfonie Stuttgart und dem Konzertpianisten Christoph Soldan, stellte sich zur Aufgabe, neben dem klassischen Kammermusikprogramm auch Werke für Klavier und Orchester in Quintettbesetzung als auch symphonische Werke zu erarbeiten und zur Aufführung zu bringen. Im Repertoire der Musiker befinden sich neben Werken der Kammermusik auch symphonische Werke, wie die großen
Streicher-Serenaden von Tchaikovsky, Fuchs und Suk als auch mehrere Klavierkonzerte Mozarts und Beethovens. Zahlreiche Konzerte innerhalb Deutschlands mit verschiedenen Programmen folgten mit großem Erfolg. 2015 gastierten Christoph Soldan und die Stuttgarter Kammersolisten gemeinsam in Italien, Spanien und Österreich. Im Frühjahr 2017 traten Christoph Soldan und die Stuttgarter Kammersolisten im Rahmen der "Mozart-Woche" im Kloster Seeon, in Konzertreihen in Krefeld, Esslingen, dem Theater Dörzbach, Schwandorf,Böblingen und Sigmaringen auf. Seit 2018 ist das Ensemble ein gern gesehener und umjubelter Gast bei den Veranstaltungen "Schloßkonzerte" des Kulturgipfel Münchens. Die Presse bezeichnete die gemeinsamen Auftritte als beeindruckende Konzerte eines jungen Ensembles, dessen Klanglichkeit den Eindruck eines größer besetzten Orchesters erweckte.
Daniel Rehfeldt wurde 1973 in Freiburg im Breisgau geboren. Im Alter von 7 Jahren erhielt er seinen ersten Violinunterricht an der örtlichen Musikschule. Bereits in frühen Jahren konnte er seine musikalische Ausbildung mit namhaften Professoren (Kolja Lessing, Robert Alexander Bohnke, Werner Stiefel und klaus-Peter Hahn) vertiefen. Erfolge bei nationalen Wettbewerben /Kammermusikwettbewerben folgten (u.a. 1. Preis "Jugend Musiziert", Tonkünstlerwettbewerb, "Parke&Davis-Förderpreis" u.a.). Um seine musikalische Ausbildung zu vertiefen studierte er Violine und Kammermusik am "Mozarteum" Salzburg bei Prof. Paul Rozcek und Jürgen Geise und Barockvioline und historische Aufführungspraxis am Bruckner-Konservatorium Linz (Prof. Michi Gaigg) und der Musikhochschule
Trossingen (Prof. John Holloway). Anschließend an sein Studium konzertierte Daniel Rehfeldtals Solist und Primarius de Kammerensemble Cologne und in verschiedenen Kammermusikgruppen (Manchester Oboe Quartet, Jade Quartett, Soldan Trion, Adular Quartett u.a.) in ganz Europa, Russland, Afrika, Australien, Taiwan, China und Korea. 2011 übernahm er die musikalische Leitung der KammerSinfonie Stuttgart. Von 2013 bis 2016 war er stellvertretender Konzertmeister den Philharmonie Baden-Baden. Mit diesen renommierten Orchestern konzertierte er u.a. mit internationalen Spitzenmusikern wie Luciano Pavaroti, Placido Domingo, Thomas Hampson, Anna Netrebko, Christel Lee, Reinhold Friedrich, Sir James Gallway, Dimitri Askenazy, Reinhold Friedrich, Pavel Baleff, Justus Franz David Reitz, und Judith Kubitz. Zusätzlich zu seiner künstlerischen Tätigkeit ist Daniel Rehfeldt seit 2016 Leiter der Musikschule Eislingen.")
![Vox Nostra](https://www.releases.kuk-art.com/sites/default/files/category_pictures/vox-nostra.jpg "Vox Nostra ~ Vokal-Ensemble
Vox Nostra, gegründet 1999, ist ein internationales und solistisch besetztes Ensemble aus Berlin, das sich unter der Leitung von Burkard Wehner auf die Vokalmusik des Mittelalters spezialisiert hat. Aus Kompositionen der frühen europäischen Kulturzentren wie Klöstern, Kathedralen und Höfen gestaltet Vox Nostra sinnvoll zusammengestellte Konzertprogramme, die den Zuhörer in die archaischen Klangwelten des Mittelalters entführt. Im Gegensatz zu den heutigen wohltemperierten Hörgewohnheiten zeichnen sich die Gesänge vor 1600 durch ihre besondere Klangästhetik reiner Intervalle aus, die auf dem alten pythagoräischen Tonsystem der Griechen beruht.Das Singen aus den Originalhandschriften mit Neumen- und Modalnotationen gehört zur musikwissenschaftlich fundierten Arbeitsweise des Ensembles. Der menschliche Atem ist das Zeitmass für die textbasierten Gregorianischen Choräle der Benediktiner und die je eignenen Gesänge der Franziskaner, Dominikaner und (vor allem) der Zisterzienser, deren Zauber sich durch die reiche Verzierungskunst der Neumen und die unendlich scheinenden Melodiebögen entfaltet. Um den komplexen Zusammenklängen dieser Musik in Räumen mit guter Akustik entsprechende Wirkung zu verleihen, wird vom Ensemble ein obertonreicher Vokalklang bevorzugt.Auftrittsorte des Ensembles sind Kathedralen, Dome und Kirchen, die historisch und akustisch mit den Gesängen korrelieren. Darüberhinaus experimentiert das Ensemble mit den klanglichen Möglichkeiten von Galerie-, Kongress-, Museums- und Industrieräumen. Vox Nostra setzt auch Kompositionen aus dem Bereich der Neuen Musik klanglich um, bei denen Vokalfarben und Mikrointervalle Verwendung finden.
Burkard Wehner ist der Gründer und musikalische Leiter des Ensembles. Geboren in Steinach an der Saale/Unterfranken. Studium der Germanistik und der Theologie an der Julius-Maximilian Universität Würzburg. Spezialstudium "Vokalmusik des Mittelalters und der Renaissance" und Studium der Musikwissenschaft am Brabant Konservatorium in Tilburg, Holland. Internationale Meisterkurse u.a. bei Andrea von Ramm, Jill Feldman, Marcel Pérès und Pedro Memelsdorff. Solistische Tätigkeit als Sänger auf zahlreichen internationalen Festivals in Polen, Holland, Österreich, Frankreich und Deutschland. Fungiert als musikalischer Berater für zahlreiche Ensembles mittelalterlicher Musik. Umfangreiche wissenschaftliche Tätigkeiten im Bereich mittelalterlicher Quellenforschung. Lehrtätigkeit u.a. im Bereich der Musiksoziologie an der Humboldt-Universität Berlin. Workshops und Seminare zu Interpretation und Aufführungspraxis der Vokalmusik des Mittelalters. Regiearbeit für die Barockoper "Zenobia" von Tommaso Albinoni von 1694 für die syrische Nationaloper Damaskus im Rahmen der Kulturhauptstadt Damaskus 2008. Mitglied des wissenschaftlichen Beirats für die Grosse Landesausstellung in Konstanz von April bis September 2014: "Das Konstanzer Konzil - Weltereignis des Mittelalters". Er lebt und arbeitet in Berlin.
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Die Liste der Ensembles und alle Publikationen unter deren Mitwirkung
